这是我们的专栏第一次和大家见面，在这里会给大家分享一些我们与艺术之间的故事，解答一些艺术问题，分享下自己的艺术观点~欢迎大家讨论呀！！！
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本人比较爱刷知乎，在艺术频道里有一类问题一直保持着很高的讨论热度——有哪些外行看起来很丑但其实很厉害的画？
这个问题提的非常有意思，所以把自己的一些想法分享给大家~
一起聊聊出现这种情况的原因，还有我是怎样欣赏一些“外行人”看不懂的作品的。
我们处在一个娱乐时代，短视频、手游、综艺，所有这一切都像泡沫一样，炫目、短暂，给了我们很多即时的快乐和享受。这没有错，不能怪在时代的头上，虽然听着《从前慢》，但是我们都清楚，那只是从前，只适合出现在美好的想象里。技术在进步，眼睛也在进步，在让人眼花缭乱的各种视觉盛宴中，我们每个人都变成了饥渴的野兽，不断获取着这样的快乐来抵消重重的压力，而图像和影像就是所有这些泡沫的载体。
艺术作品特别是绘画作品是人类对图像最初的表现形式，怎么把眼睛里的场景通过手的工作再现到面前的纸张或者墙壁上，这是一个根本的问题。在不断总结经验的过程中，人类对于图像产生了更多的理解和期望，比如沟通自然，塑造神祇，记录事件等等。从简单的表现，到赋予图像意义，再到设计理论的出现，我们对图像的研究和控制越来越深入，技术水平的飞速演进更是使图像的获取变得易如反掌。那么现在就出现了一个问题，我们怎么在繁杂的现实中提取出我们需要的图像，更简单的说，怎样在普通的场景中找到它们在图像意义上的美感，找到艺术性的所在？
这都要靠观察来实现
观察是有阶段和程度的，初步的观察来源于我们对物体某一属性特征的描述，就像小朋友学习说话时用的识字卡片。这就是图像对现实的描述和概括，也是一种提取，最终呈现为一幅有着清晰特征的小插画：工人会有代表性的安全帽，医生会有白大褂，宇航员会穿着太空服；苹果是红色的圆形，鸭梨是黄色的水滴形，葡萄是紫色的小球等等。
这些最开始的印象塑造了我们对世界的辨识方式，让我们形成了观察世界的顺序，先辨识是什么，有什么功能性。最后才是一个物体的具体样貌，而这一点，是很容易被忽略的。完成对一件物品的属性观察，其实是借用它在眼睛里的影子来帮助我们认识它是什么，那么这个物体的视觉特征呢？往往被其它的因素所影响不被注意到。比如去买一袋苹果，我们会挑选颜色好的、外表没有伤痕的、有些人也会挑长得好看圆润的。把这些苹果摆在盘子里，你会去注意它们的区别吗？绝大多数情况都不会，因为在潜意识里我们都会觉得苹果是用来吃的，或者是桌子上的点缀。
就像卡拉瓦乔作品里的苹果
这种观察也可以说是概念的观察，是对某一种类和相似经验的概括，对完美形象的刻画，而不是具体的表述。在这种观察中得到的结果是笼统的，让我们有一种：“我知道了，它就是这样。”的感觉。尽管这样的装饰元素在绘画作品里也会很漂亮，很精致，很逼真，但是，这并不是苹果本来的样子。到了后印象派塞尚的作品中，我们才开始看到对很多放在一起的苹果进行有强烈差异的表现。
每一个苹果上的转折都被清楚的夸张了，颜色的饱和度也是。
说到颜色，这也是物体属性的一个重要部分。在日常的生活经验中，我们已经形成了对世界的“刻板印象”，提到云彩和室内的墙壁那就是白色，提到天空和海洋就都是蓝色，提到植物就都是绿色，但仔细想想，都有多久没有好好看看天空的颜色，没有好好看看周围的环境到底有哪些不同。
也可以试一下看看墙壁上到底有几种颜色哟~
世界的色彩在不停变化，带给我们的感受也在不断变化着，这是人类双眼的天赋，也是对生活新鲜感的来源。
当我们逐渐可以发现更多这样的色彩和每个物体特殊的形状时，就可以进入更深层的观察了。能够初步把实体中的抽象元素提取出来，这就表明在概念中有了脱离实体的观察。
我们看到帅哥会喜欢，看到美女也会喜欢，特别是在社交媒体的照片中。但是仔细想想，我们所喜欢的是照片吗？其实并不是，我们只是看到了照片里的人物，是因为人物长得好看，换言之观察的是人物。就像有些比较具象的风景作品让人喜欢，这是因为我们把自己带入了画中的环境，并不是针对图像的感受。
比如一件摄影作品，可能在照片中看不出拍的是什么，但是在图像的意义上这样的作品通过对场景和色彩的选择在图像意义上产生了对情感的触动，如果去寻找这个摄影作品拍的是什么内容的话，那就不会有好的结果出现。
可能有人会说这样的感觉体会不到，也没有兴趣，我想这可以从刚才提到的第一步开始。
现在，当我们已经能够脱离开一件物品的属性、功能性，通过对图像本身来进行观察，这种观察会进入完全的“抽象”领域，从有实体或无实体的画面内容中找到隐含的情绪或者意义。
回到一开始的问题，为什么有很多很丑却很厉害的画？可以从“丑”开始讨论。什么东西是丑的呢，粗糙的、灰暗的、杂乱的等等；反之，美的东西往往具有鲜艳、明亮、光滑等等的特征。
如果我们把一幅画看作装饰品，那么作为装饰品的属性就应该是美的，目的应该是带给人视觉愉悦。在之前，艺术作品确实是一种装饰，或者记录工具。但是随着艺术家从技术工人的角色转变为演讲者角色，艺术作品的表现初衷就变了，不再是以取悦视觉为主要目的，而是以表达思想为目的。当然，在后印象派之前，艺术家们虽然已经完成了这样的角色转变，但依旧是延续传统的表现方式。从形式上来讲，还是在具体的环境中进行主题和方法上的探索。从梵高和塞尚开始，绘画作品开始出现了更加个人化的理解与尝试，比如梵高作品中狂热的颜色和显得“笨拙”的笔法，具备了“丑”的属性。塞尚则是理解到静物在画布上平面形体的力量和物品脱离实际的饱和度。
通过对形体与颜色的夸张表现，传达一种对画面新的理解。我们能够感觉到作品中的力量感。到了后期，立体主义、未来主义等等的艺术流派，则是在里面传达出更多的精神内容以及对世界的理解，用平面的绘画来表现更多没有具体形象的事情。
观察，就是看到这些内容的第一步，绘画作品的形式可以是真实又美丽的，也可以粗犷而有力的。我们在观察一件看不太懂的作品时，往往需要穿透表面的形式，才能感受到作品真正的含义。